Profil professionnel des stagiaires

Intermittents (Artistes interprètes (hors musiciens))

Secteurs d'activité :
AUDIOVISUEL, CINÉMA, SPECTACLE

Prérequis et expérience professionnelle des stagiaires :

Pratique instrumentale et /ou vocale + expérience scénique depuis 3 ans + envoyer une liste de 8 titres en M.A (toute esthétique confondue) que vous interprétez déjà et/ou référents pour vous

Identification du stage

Modalité(s) pédagogique(s) :
Formation en présentiel

Mode d'accès :
Plan de développement des compétences

Objectifs pédagogiques :

-Appliquer les techniques d’échauffement et d’assouplissement corporel et/ou vocal
-Placer sa voix en tenant compte du collectif musical
-Adapter son jeu vocal ou instrumental en tenant compte du collectif musical
-Gérer son trac pour développer une aisance scénique
-Prendre en compte la relation avec les autres musiciens

Programme pédagogique

Appliquer les techniques d’échauffement et d’assouplissement corporel et/ou vocal
Placer sa voix (tessiture, timbre, volume, etc.) en tenant compte du collectif musical

Module : Théorie Chant /Technique vocale avec application sur des esthétiques spécifiques

Préparation vocale et physique, hygiène et échauffement.
Identifier et défaire les tensions et les schémas restrictifs qui entravent le fonctionnement optimal de la voix et de l’expression artistique
Adapter son échauffement à sa personnalité et à ses besoins.

Points d’analyse théorique :
Connaissance et physiologie de l’appareil vocal
Mise en place de la coordination et de l’équilibre du souffle et du son.
Coordination de cet équilibre dans le contexte des morceaux choisis.
L’équilibre entre la technique vocale et l’émotionnel (vélocité, dessin mélodique, voyellisation…)

Mise en pratique / Expérimentation :
Travail d’interprétation appliqué à différents répertoires et esthétiques musicales (pop, urbain, comédies musicales, rock, électro)
Mise en situation sur le sens du texte écrit, du texte musical,
Choix de l’intention.
Diction, phrasé, nuance musicale.

Adapter son jeu vocal ou instrumental en tenant compte du collectif musical
Prendre en compte la relation avec les autres musiciens

Module : musique/composition/arrangement /rythme : théorie et applications sur des esthétiques spécifiques (rock, chanson, électro, musiques improvisées, variétés internationales, musiques urbaines, métal, pop …)

Points d’analyse théorique :

Analyse d’œuvre de musique actuelle sous plusieurs angles : divers niveaux d’écoute
Les paramètres constitutifs de l’œuvre, tant au niveau de son arrangement que de sa construction intrinsèque.
Les problématiques de rythme (tempo, placement...)
Les conflits de fréquences (hauteur, partition trop « chargée »...)
Les spécificités et les mécaniques des genres abordés : pourvoir les utiliser selon les besoins.
Identification des paramètres constitutifs de son jeu de scène

Mise en pratique / Expérimentation :
En travail collectif, application sur titres avec contraintes et angles d’approche spécifiques +
Travail inter-session avec consignes spécifiques

Proposer des parties musicales alternatives ou de substitution (gimmick instrumental, pont harmonique, séquence rythmique, harmonie vocale...)
Mettre en place les modalités d’une répétition (travail personnel avant de commencer le travail collectif)
Adapter sa pratique au travail collectif pour construire un arrangement cohérent
Adapter un titre dans un arrangement différent de l’original
Développer et organiser un arrangement original d’un titre imposé-
Concevoir en collectif l’arrangement d’une chanson : place de chaque interprète et cohésion du collectif.

Gérer son trac pour développer une aisance scénique
Prendre en compte la relation avec les autres musiciens

Module : Corps / interprétation en scène / gestion du trac
Le corps comme outil d’interprétation, de communication et de confiance en soi

Points d’analyse théorique :
Les émotions primaires : définition et différence avec les sentiments
Lien entre l’intention émotionnelle mentale et le corps

Mise en pratique / Expérimentation :
Séances de travail au sol, assis, debout :
Mécanique de la respiration
La ceinture scapulaire
Le bassin
La rotation de la colonne
Les yeux : mouvements et autonomie par rapport à la tête

Mise en situation avec jeu de miroir muet entre lead et public
Interprétation sur scène de plusieurs titres en collectif avec intégration des outils

Module : Gestion de l’espace scénique / relations chanteurs & musiciens

Points d’analyse théorique :
Fond et forme du répertoire : texte, mélodie, harmonie, arrangement, scénographie, le set, les inter-morceaux, jeu en collecif…
Les fondamentaux de la relation au plateau, au public et aux musiciens sur scène.

Mise en pratique / Expérimentation
Mise en situation plateau par rapport au fond et la forme d’un titre
Evaluation de sa prestation (auto-écoute)
Jeu de rôles : la place de lead à l’intérieur de chaque titre et pour chaque protagoniste sur scène : mobiliser l’énergie du collectif
Mise en situation sur les inter-morceaux, conception et construction d’une set-list

Informations complémentaires (méthodologie, ...)

Utilisation alternée de différentes techniques d’animation :
Méthode expositive : transmission d’un contenu théorique et pratique avec cours magistral : aspect historique, conférences, règles et techniques d’écriture.

Méthode participative : intervenant dirige et co-construit avec les stagiaires sur des mise en situation d’exercice
pratique avec contraintes (texte et/ou musique), application des outils

Méthode active : travail personnel dans une contrainte de temps, mise en commun, puis retours et échanges avec le formateur.

Supports et ressources fournis aux stagiaires

Vidéoprojecteur ou grand moniteur,
Salle équipée de sono, micros, instruments de musique à disposition (clavier, guitare, ukulélé).
Paper-board

Niveau visé après la formation